隶属 LVMH 旗下，Fondation Louis Vuitton(路易·威登基金会)建筑自落成巴黎以来，直至 2014 年方才正式对公众开放。短短数年，它已变身为这座城市的文化地标，鼓励着当代艺术家们的创作，将目光聚焦拓展潜在客户的多元化与传播性。

　　过去将 Olafur Eliasson 这样的艺术家带入大众视野，前段时间促成轰动法国乃至国际的《Jean-Michel Basquiat – Egon Schiele》联展，最近还邀伦敦考陶尔德画廊，共同策划了囊括百余幅印象派巅峰画作的《A Vision for Impressionism》展览…… 这家世界最庞大的奢侈品集团，正一步步递增他们跨领域的参与度，改变整个时尚产业的势态，提升涉猎艺术圈的影响力。而这一现象，似乎同样能从其他行业巨头的身上探究到，艺术领域，是否是奢侈品牌着重发展的新方向呢?

　　LVMH：奢侈品集团构建的艺术蓝图

　　虽未有悠久的历史沉淀，Fondation Louis Vuitton 艺术项目的受欢迎程度，却时常远超当地其他始祖级博物馆的客流量。也难怪，巴黎市长毫不吝惜 “a gift for Paris” 的赞誉，来表达当地政府对它天降的喜悦和支持。

　　由先锋建筑大师 Frank Gehry 操刀设计的基金会建筑，藏身城西布洛涅(Bois de Boulogne)中，像帆似云地 “悬浮” 绿茂青树上，自身的奇异性就让它堪比艺术品般的存在，伴随光影的变幻流转，与环境交织出转瞬即逝的景象。在任命 Suzanne Pagé 担任基金会总监后，他们多次联手世界顶尖博物馆，策划过往你在巴黎绝少能一睹真容的展览，向公众引荐他们看重欣赏的当代艺术家们。《Jean-Michel Basquiat – Egon Schiele》的世纪联展，便是近期最受艺术圈瞩目的大事纪。

　　那么，为何要把两位相隔 70 余载的非同代艺术家放在一起相提并论呢?某种角度上，Schiele 和 Basquiat 就像从未谋面、却因艺术遗产的份量而紧密相连的朋友：他们同样深受弗洛伊德哲学的影响，同样桀骜不驯地抗争世事，同样被推举为表现主义的核心人物，并且同样地，他们生命协奏曲的终止符，停留在了 28 岁那个节点上…… 创作的乐章潦草短暂，却反衬出两位天纵之才的作品多么强而有力。

　　在巴黎这样孕育着文化、艺术、时装的都市里，无论你是出于对 80 年代美国波普的喜爱，还是对涂鸦文化的好奇，Jean-Michel Basquiat 这样通吃 fine art 和 street art 的人物，都是你非看不可的，更何况外加上过去 25 年里未曾在巴黎举办过专展的画坛巨匠 Egon Schiele 。此番恰逢艺术家离世百年的纪念，才在 Suzanne Pagé 的力荐下，诞生了这场验证天赋差异与相似共存的比对。与此同时，媒体狂轰滥炸的赞誉和报道，为基金会引来络绎不绝的客流量，这场盛大的联展显然不会给 LVMH 留有遗憾。

　　对应基金会的四大主题之一，即呈现艺术家的主观愿景，及表现主义的审视角度，《Jean-Michel Basquiat – Egon Schiele》就两位大师的背景、选题、风格、影响，做了有趣的配对，建立起叙事的假设。游客被引导由 Egon Schiele 的铅笔、水彩作品开始，从一幅幅绘有单一人物的中小型作品循序渐进，有时候，色彩在它们身上仿佛丧失了 “效果” ，微不足道但说服力十足。艺术家标志性白色，像萦绕在画里面的回忆，经过深思熟虑的构图，牵动角色扭曲的体态和深陷苦楚的面容。这种夸张的表现手法，被他视为承载艺术的合理延续。

　　当转至 Jean-Michel Basquiat 的展区，你能强烈地感受到他想要呈现的，是一个完全不同的风格、现象，还有自我。看似混乱、毫无头绪的绘画，融入了涂鸦、文字、符号、象形图的元素，在他激进的艺术实践中，继承了 Schiele 的艺术形态，延续了历史的血脉，借用新表现主义呼吁社会问题，正如那些爆炸性视觉画作里咆哮、悸动的形象。当被问及如何描述自己的作品时，纪录片里的 Basquiat 驳斥说，“就像问 Miles Davis 是怎么吹奏小号一样，我不觉得他能告诉你在那个点上为何该这样处理，大部分时间是自然而然的。” 创作的随机性使得他的作品更加弥足珍贵，无法复制。

　　此次展览，Fondation Louis Vuitton 邀来专研 Basquiat、Shiele 的艺术史学家 Dieter Buchhart 担任撰文编辑，出版了展览相关的画册，成了大家观展后争相购买的周边。两本书囊括了许多此前从未在欧洲展出过、鲜有公之于世的画作，较之同类书籍，在内容质量的把控与可探究性上明显有了提升。更具价值的，还有以博物馆藏品级标准转印的艺术家签名影像，仅可于展览期间限量购买。但这些印有 Fondation Louis Vuitton 字样的物件，在标明其 “出身” 的同时，也有意无意地为品牌起到了流通宣传的作用，即使你不是个热衷搜罗时尚单品的恋物者，但你不也同样拥有了一件 LV 吗?

　　Prada：艺术是品牌形象“影印”

　　即便 Fondation Louis Vuitton 的大楼将在 2062 年后归属巴黎市政府，但这样的合作协议并没有动摇他们投身艺术的决心，可见涉及该产业之于他们的重要性。相同地，越来越多的奢侈品集团愿意同艺术结合到一块儿，附庸风雅地扮演起艺术爱好者的角色，这些品牌的艺术项目相较传统博物馆，对大众来说，甚至更具吸引力。

　　在欧洲的另一座文化名城米兰，Miuccia Prada 与丈夫 Patrizio Bertuelli 对艺术和文化领域的好奇心发酵，最终促成了与荷兰建筑大师 Rem Koolhaas 合作打造基金会总部的想法，并于 2015 年正式对外开放。这个早在 20 世纪 90 年代初就萌生出的念头，难道是权用来孵养他们个人的兴趣爱好吗?“那时候根本没有像现在这么多的艺术基金会，Fondazione Prada 是欧洲范围的先锋，是个脱离时尚品牌业务的文化机构，旨在完成自己的传播使命。” 根据基金会负责人 Astrid Welter 接受采访时的宣称，不难看出，他们想要与其他奢侈品牌划分本质的界限，“纯粹” 为艺术而艺术，让它自然而然地突显出优雅。

　　且不说藏品几许，单论基金会总部设计师 Rem Koolhaas 的才华与名望，就已让 Fondazione Prada 成为艺术迷必逛的景观了。作为远近闻名的藏家和赞助人，Miuccia Prada 夫妇与世界级博物馆还有艺术家们，早就建立起千丝万缕的关系。这一切为他们设立一个个据点作好了铺垫，包括他们倾尽心力修缮了整整六年的沪上名门 —— 荣宅。

　　那么接下去的事情，大家多少有所耳闻。荣宅开放之日，Prada 邀来演艺圈、艺术圈、传媒圈、建筑圈等各界名流齐聚宴会，齐齐盛装品牌提供的服饰。社交媒体上，几乎铺天盖地着荣宅的讯息和图片，让它瞬间攀升为上海最有调性的观光地。当然，这也与宅内设有不定期的艺术项目有着巨大关系，刚刚结束的刘野《寓言叙事》展，可说是你在传统博物馆内无法体验的。所有画作像在整个空间中静处过百年，色调与宅内深沉复古的家居、灯具、墙壁，乃至泛着年代感的印花地板都相辅相成，为你絮叨属于它们自己的故事。

　　过去的 20 年间，类似刘野展览的策办，在 Fondazione Prada 的项目列表里层出不穷，是他们绝佳艺术策划力的体现。它们不但与时俱进，且总能引起巨大的市场反响，这是绝大多数私人基金会不具备的。Tom Sachs 的《蓝鲸》雕塑，Damien Hirst 的《Lost Love》装置，Thomas Demand 的《被偷走的图像》群展，还有《布达佩斯大饭店》导演 Wes Anderson 专门为其设计的 Bar Luce 咖啡厅…… 这群活跃在当代艺术界的红人，均为 Prada 的座上宾。自然地，相应展览的书籍不可能被基金会遗忘，它们甚至成了品牌 VIP 们热衷收集的稀有物，而为满足粉丝的小确幸，艺术家的作品还会突发性地 “误入” 一下品牌设计，可谓是幸福来得太突然了吧。

　　Kering：后来的艺术搅局者

　　不管就所持有的品牌竞争力，还是销售覆盖面而言，常年与 LVMH 分庭抗礼的 Kering 集团，没有理由在任何方面落单。这家由 Pinault 家族管理的企业正逐渐调转自己时尚标签的身份，在类似项目上频频加大资金的投入。早前 Kering 一举收购顶级艺术拍卖行佳得士，接着宣布将在 2019 年，落成靠近卢浮宫去处的现代艺术博物馆，如此举措也着实让人看到了他们征战艺术领域的野心。

　　如果要追溯 Kering 集团与艺术的渊源，那便要提到旗下品牌 Yves Saint Laurent 于上世纪 60 年代时，尚且健在的传奇设计师就把荷兰新造型主义画家 Piet Mondiran(蒙德里安)的作品融入到了那条传世的半身裙中。或许，它可算是艺术跨界中最为人熟知的时装设计了。时至今日，Kering 再度迎接来了一位新革命者，为 GUCCI 成功复辟的 Alessandro Michele 。

　　说到这家改造成新模样的时装屋，就不得不提当代艺术在它的攀峰道路上起到的作用。近年来的 GUCCI ，在秀场造型、广告大片、宣传活动等对外事宜上花尽了心思。品牌 4 年前举行了一场名为《No Longer / Not Yet》的大展，在那个繁花簇拥、春意似锦的印花空间内，GUCCI 倾情所有地号召来不同领域的当代艺术家们，用形而向上的视觉赋加鲜明的品牌元素，向观客介绍何为 “当代” 精神。从摄影、绘画，到雕塑、装置，各种艺术形态均被涉猎，请来 Jenny Holzer 、Glen Luchford 、Rachel Feinstein 等艺术家的参与，诚邀《LOVE》杂志发行人 Katie Grand 策划把关，陡增一份前卫与时尚。

　　想必 GUCCI 模特手捧仿真头颅、雏龙的走秀片段，依然会教人念念不忘吧。创意总监 Alessandro Michele 用非理性且充斥浪漫复古的 Cyborg 元素，策划了那场拍案叫绝的故事。而他对艺术的解读和借用，实则早就超出我们的设想。以至于，后来《The Artist is Present》展览刚刚透出风声，便成了媒体们抢鲜报道的热点，大家都好奇他又能玩出什么新把戏。

　　这是一次针对 “复制挪用” 现象的探讨。从展览的命名开始，到作品主题的呈现，如同就当代文化创作的反讽。用展览入口处那句 “古罗马人孜孜不倦地复制古希腊雕塑，终令世人得以一览其精绝壮美” 来描述，是再贴切不过的了。其中，仿照西斯廷教堂制造的小空间布满了宗教壁画，包括印着米开朗琪罗《末日审判》的木板墙，帕台农神庙里的断头神像，还有按照《纽约时报》字体翻印的《The New Work Times》，报纸中登印着各类 “艺术” 复制的奇闻妙事，是一份观众可以随身顺走的隐藏周边。

　　尤为值得一提的是，GUCCI 主导的展览，总会邀请到大量的当红艺人、KOL 、媒体在特定开放日提前预览艺术品。他们免不了需要身穿品牌的当季服饰入场，而流量偶像们相继释出的展览图片，或能为艺术展带来不可预计的 “打卡” 探访，或带动GUCCI 新款单品的热门走俏。那无独有偶的操作，无疑替品牌铺垫了更长远的利益，即高雅与商业的兼得。

　　不仅是那些价值位居前列的财团，还包括 LOEWE 、Cartier 、CHANEL 、Zegna 等品牌，都纷纷调转自己时尚标签的身份，在类似项目上频频加大资金的投入。艺术到底对时装拥有怎样的助推力呢?其原因绝不只是掌舵人本身对艺术品的笃爱，还背藏着品牌堆砌影响力的用意。

　　现下，如何将艺术和时装结合到一块，正慢慢延伸为近年奢侈品公司致力探寻的要事。无论如何，它对品牌形象的提升百利而无一害。甚者，那些与艺术家推出的联名品牌，刺激粉丝引发哄抢，产品断货之余，成了品牌拥趸突出 “个性” 、彰显 “品味” 、区别 “身份” 的新符号。

　　也许 Miuccia Prada 说的确实没错，奢侈的门槛越来越低，商品和艺术品面临着趋之若就的大众化，怎样让品牌价值稳固上升，才是品牌该当抢先的诺曼底吧。